Résumé de la première séance de : Traitement temps réel et le langage musical

• groupe 1 : jeudi 15 novembre de 10h30 à 12h30
• groupe 2 : vendredi 16 novembre de 9h30 à 11h30

Au sujet du traitement temps réel et le langage musical, vous pouvez télécharger mon mémoire de Master II et lire le 1er chapitre (pages 2 à 31 : I – Les traitements et la musique) qui fait une bonne introduction. A télécharger ici.

Les « dimensions » du traitement

Pour parler « musique » et non pas « technique informatique » il faut considérer les traitements en fonction de catégories ou « dimensions » musicales. Acoustiquement, Il suffit que de 2 dimensions pour représenter tout événement sonore :

• temps
• Amplitude (musicalement parlant: intensité)

4 dimensions supplémentaires complètent la base qui permet de parler de la quasi-totalité des traitements temps réel sonores

• hauteur
• timbre
• espace acoustique
• matière

Les traitements

Pour placer les traitements dans ces dimensions musicales :

• le temps concerne évidement les lignes de retard (délai), mais aussi l’enregitrement et la relecture ultérieur
• L’intensité peut être traité par les VCA et les LFO, mais aussi des enveloppes
• la hauteur concerne les harmoniseurs, essentiellement
• le timbre se travaille avec des filtres, de la modulation en anneau, la distorsion non-linéaire, et toute sortes de traitements dans le domain fréquenciel (fft)
• l’espace acoustique concerne tout ce qui est spatialisation et réverbe, ainsi que les filtrages associés (binaural/transaural/abisonics, etc)
• La matière peut se travailler avec divers combinaisons des traitements déjà listé, ou bien un traitement total comme la synthèse granulaire

Le temps

On peut parler du temps comme une catégorie musicale (perception) ou comme une technique de traitement.

• Le temps comme catégorie musicale couvre les idés de l’echo, la répétition ,le rythme, le contrepoint, la mémoire et la forme
• Le temps comme technique de traitement peut aussi générer des résultats qui vont plutôt faire partie d’autres catégories musicales : flangeur, chorus, filtrage, réverbération, harmoniseur

Différentes « zones » de temps activent différentes types de perception:

• Le temps court (1-15 ms)
  • Phase et couleur
• Le temps moyen (15-80 ms)
  • Réflexion, epace
  • épaississement
• Le temps long (> 80 ms)
  • Écho, répétition
  • Rythme, polyphonie
• Le temps très long (> 10 seconds?)
  • Mémoire et forme

L’écriture pour le délai

Globalement, si la phrase ou « l’objet musical » joué est plus court que le temps du délai, nous allons entendre le délai comme une écho ou une répétition. Si la phrase ou objet musical est plus long, la sortie du délai se mélange et combine avec la phrase, et nous risquons plus d’entendre un rapport de superposition et peut-être de contrepoint. Si ce rapport est bien travaillé, le temps du délai peut ne pas être évident.

Un autre facteur de perception très important c’est la stabilité ou homogénéité de la source. Une attaque ou un changement brusque de note va être parfaitement perceptible  comme une écho, mais un son qui arrive en crescendo et qui part en decrescendo, dans lequel il n’y a pas de changements de note, ou bien les changements sont répétitifs comme un trille ou un trémolo – on n’entendra strictement pas le temps de l’écho mais plutôt une superposition ou épaississement du son instrumental.

On peut trouver cette stabilité ou homogénéité également dans des notes répétées. Une pulsation d’une seconde dans un délai d’une seconde se synchronise parfaitement avec la source, et nous entendons encore une doublure. Si, en plus, la répétition arrive progressivement en crescendo et repart en decrescendo, nous n’entendons ni le début ni la fin. Si on garde la pulsation mais on change de notes, on entend plutôt un effet de canon ou contrepoint avec une superposition verticale de notes.

Une fois la pulsation établie, une légère accélération ou décélération perturbe le rapport de contrepoint et peut rendre très intéressant le mélange. Si le temps est assez long, quelques secondes, on pourrait même anticiper le retour du délai en rejouant le son qui VA sortir juste avant qu’il sorte…

C’est également intéressant de combiner et superposer des différentes techniques. Par exemple, on peu jouer une « pédale » continue qui sonne dans le délai comme un épaississement et de temps en temps on peu rajouter une attaque ou change une note, puis cet événement sonore sera entendu parfaitement comme une écho – sans changer pour autant le moindre réglage!

Je vous propose d’aller lire pages 23 à 31 (2.4 Guide de l’écriture) de mon mémoire pour voir de plus près ces principes avec des petits exemples d’écriture.

Résumé de la première séance de lutherie électronique et interactivité:

• groupe 1 : jeudi 15 novembre de 15h à 17h
• groupe 2 : vendredi 16 novembre de 15h à 17h

Pour que tout le monde puise en bénéficier, même ceux qui n’y était pas présents, je donne ici la liste des pièces dont on a écouté des extraits durant la séance de Culture Electroacoustique du 15 novembre…

Edgard Varèse

1) Poème Electronique (1958)

Composé pour le pavillon Philips de Le Corbusier et Xenakis pour l’éxposition universelle de Bruxelles à 1958. Varèse a dit:

“Son et bruit. Il n’y a pas de différence entre le son et le bruit, le bruit étant un son en cours de création. Le bruit est dû à une vibration non périodique, ou à une vibration qui est trop complexe dans sa structure, ou d’une durée trop courte pour être analysée ou comprise par l’oreille.”

Lien vidéo:
http://www.dailymotion.com/video/k3EY1hvlLanb0Powf9

Il y a un article intéressant sur ce projet et sur Varèse, Le Corbusier et Xenakis par Gilles Arnaud Sphère:
http://www.gilles-arnaud-sphere.com/?p=2176

Luc Ferrari

Compositeur très important et original pionnier de la musique acousmatique, radiophonique, et même environnementale…

2) Presque Rien No. 1A : Le Lever Du Jour Au Bord De La Mer (1967-1970)

Lien vidéo:
http://www.youtube.com/watch?v=z2aWEM1nnNg

Extrait de la page wikipedia: http://fr.wikipedia.org/wiki/Luc_Ferrari

En effet, le Presque Rien N° 1 ou Le lever du jour au bord de la mer, composé entre 1967 et 1970, est une composition qui matérialise la rupture avec les pratiques électroacoustiques classiques. Elle revendique clairement (plus directement encore que ce qui a été appelé après Hétérozygote, les musiques anecdotiques), le plan-séquence et l’image sonore fixe, sorte de diapositive qui donnerait à entendre une tranche de réel, comme méthode de travail, et comme moyen de se libérer des habitudes.  » « Au départ, le concept des Presque Rien n’a rien à voir avec la musique. Il faut se transporter dans l’époque ; dans les années 60 on disait, le bruit d’un côté, la musique de l’autre. »  » Ferrari ne s’est pas laissé prendre à ce jeu. Pour lui, il s’agit de faire quelque chose issu d’un grand désir sans se soucier si cette chose entrait dans une catégorie. Le concept à son avis, ne peut se définir comme genre, comme esthétique ou comme technique mais comme idée. C’est-à-dire que le concept au départ ne peut se comprendre physiquement, mais plutôt comme une impression générale que l’on donne à un corps. Ce concept comprend : – un seul lieu – un seul temps – une certaine acoustique -, ingrédients qu’il développe d’un Presque Rien à l’autre.

3) Strathoven (1985)

« remix » avant l’heure de Beethoven et Stravinsky…

Lien vidéo:
http://www.youtube.com/watch?v=0TtdbUdURIY

James Tenney

Compositeur au début de l’informatique musicale aux états unis dans es années 60.

Disque – James Tenny : Selected Works 1961-1969
http://www.electrocd.com/en/cat/art_1007/pistes/

4) Fabric for Ché (1967)

Mixage de séquences sur bande calculées et synthétisé avec l’informatique.

…un événement sonore continu, sans début ni fin. (…) un seul son, plus ou moins modulé de façon complexe…

C’est en forme de palindrome – la 2ème moitié étant l’inverse de la 1ère.

5) Collage #1 (« Blue Suede ») (1961)

Transformation et montage de Blue Suede Shoes de elvis Presley; considéré un classique de musique concrète américiane

Jean-Claude Risset

Compositeur pionnier de la synthèse informatique aux Etats-Unis et en France

6) Computer Suite from Little Boy – Fall (1968)

Son paradoxal, « déscente à l’infinie ». Info supplémentaire:
http://fr.wikipedia.org/wiki/Illusion_auditive
et sur le compositeur:
http://en.wikipedia.org/wiki/Jean-Claude_Risset

Terry Riley

Un des originateur de la musique minimaliste américaine.

7) A rainbow in Curved Air (1967-1968)

pour orgue électrique, clavecin électrique, dumbec et tamborin – enregistré en « overdubbing » par le compositeur jouant tous les instruments.

info en anglais:
http://en.wikipedia.org/wiki/A_Rainbow_in_Curved_Air
pour écouter:
http://www.youtube.com/watch?v=apxuRKWmEJs

Philippe Manoury

compositeur pionnier de musique mixte, temps réel, suivi de partitions…

8) En Echo – mouvement 4, Mea Lux (1993-1994)

Composé à l’ircam en collaboration avec Miller Puckett, créateur de Max et PureData.
C’est la section centrale de tout le cycle ainsi que la plus complexe et developpée. De nombreuses citations des mélodies précédentes, ainsi que des anticipations des suivantes sont intégrées ici car le personnage regarde une série de six photographies qui correspondent aux six autres situations exprimées dans le cycle. Le son de référence est ici un bruit d’appareil de photo qui subit de nombreux traitements allant du concrêt jusqu’à sa transfomation la plus abstraite et méconnaissable. Le centre de la pièce est construit sur une petite phrase vocale, énoncée par la chanteuse, que la musique de synthèse reproduit en boucles dans des configurations de timbres, d’harmonies et de temps extrêmement variées. Une fois passées toutes ces étapes, la phrase initale est complêtement reconstruite par des moyens purements synthétiques. La fin de cette mélodie, comme celle de la seconde de ce cycle, est laissée ouverte : l’ordinateur engendre des présentations du son de référence suivant un principe aléatoire qui le produit, tantôt avec des transformations, tantôt sans modification. Dans ce dernier cas de figure, il détermine lui-même la fin de la pièce.

vidéo:
http://youtu.be/XA4PbPKZuwk

Georges Aperghis

Musique avec forts éléments théâtraux, « théâtre musical », musique de tout…

9) Machinations (2000)

temps réel, scénographie vidéo directe
spectacle musical pour quatre femmes et ordinateur

vidéo:
http://www.youtube.com/watch?v=qF1Ez1Dz7O8
Le site de Goerges Aperghis
http://www.aperghis.com/